JOAN MIRO: Materialità e Metamorfosi in Mnemosine

JOAN MIRO: Materialità e Metamorfosi

Padova, Fondazione Bano, Palazzo Zabarella

Mostra organizzata da Fundacao de Serralves - Museu de Arte Contemporànea, Porto, e curata da Robert Lubar Messeri

La Fondazione Bano e il Comune di Padova accolgono a Palazzo Zabarella la Collezione Mirò conservata nella città di Porto, dal 10 marzo al 22 luglio 2018. Organizzata da Fundacao de Serralves - Museu de Arte Contemporànea, Porto, Joan Mirò: Materialità e Metamorfosi riunisce ben ottantacinque tra quadri, disegni, sculture, collages e arazzi, tutti provenienti dalla straordinaria collezione di opere del maestro catalano di proprietà dello Stato portoghese. Le opere furono di proprietà del Banco Portugués de Negociós, che nel 2008 in forti difficoltà economiche, decise di incaricare Christie's della vendita. Una protesta immediata costrinse a cancellare l'asta e rimpatriare le opere di Mirò, che vennero esposte pubblicamente per la prima volta al Museo Serralves di Porto, tra ottobre 2016 e giugno 2017. Prima di raggiungere Padova, la collezione è stata ospitata anche dal Palazzo Nazionale Ajuda a Lisbona con lo stesso titolo, Joan Mirò: Materialità e Metamorfosi. La mostra a Palazzo Zabarella copre un periodo di sei decenni della carriera di Joan Mirò, dal 1924 al 1981 concentrandosi in particolare sulla trasformazione dei linguaggi pittorici che l'artista catalano iniziò a sviluppare nella prima metà degli anni Venti. Documenta le sue metamorfosi artistiche nei campi del disegno, pittura, collage e opere di tappezzeria. “Con questa mostra, afferma Federico Bano dell’ omonima Fondazione, imprime al Palazzo Zabarella un nuovo corso culturale. Negli anni più recenti, questa sede espositiva si è andata connotando come il luogo privilegiato per ammirare grandi mostre su movimenti o artisti compresi tra la seconda metà dell'Ottocento e i primi due decenni del Novecento. Oggi Fondazione Bano considera quella importante stagione come giunta a completa maturazione.” Questa mostra, dedicata a Mirò, propone in Italia letture originali di pagine non secondarie della storia universale dell'arte, aprendo anche alle arti applicate. Federico Baro aggiunge: “Mi preme sottolineare un concetto per noi fondamentale: l'originalità delle nostre proposte. E' mia ambizione fare di Palazzo Zabarella un "luogo dove si possono ammirare mostre che altrove non si vedono". L'esempio di Mirò esplicita tale concetto”. Ferdinando Mazzocca, preziosa consulenza artistica del Zabarella, nella condivisione con la scelta della Fondazione, sottolinea la ricchezza di possibilità dell’arte moderna-contemporanea opposta alla pittura autoreferenziale dell’800. La raccolta di Mirò, con l’assemblaggio degli oggetti usati, dei colori a tempera della tradizione classica e materiali poveri, rivela l’estrosità dell’artista e il desiderio della sperimentazione. Mazzocca afferma: “Mirò è come un bambino estroso”. Ciò rimanda quasi alla pascoliana teoria del fanciullino in cui l’attimo della scoperta diviene poesia, arte. Il Sindaco di Padova Sergio Giordani e l’assessore alla cultura Andrea Colasio rilevano l’importanza della Fodazione Bano nel circuito culturale della città, che in questo periodo per le scelte fatte e l’unione delle sinergie tra i diversi poli museali e vestigia è destinata alla candidatura di Urbs Picta del patrimonio Unesco: La rassegna su Mirò è una ricchezza nella “miniera culturale da spendere”. A seguire l’intervento del curatore Robert Lubar Messeri: “Nel corso della carriera Joan Mirò (1893-1983) ribadì sempre l'importanza della materialità come fondamento della propria pratica artistica. -Se aggredisco un pezzo di legno con una sgorbia-, spiegò Mirò nel 1959 durante un'intervista, -questo gesto mi mette in un determinato stato d'animo. Se aggredisco una pietra litografica con una matita litografica, o una lastra di rame con un bulino, gli stati d'animo che ne derivano sono diversi. L'incontro con lo strumento e con la materia produce uno shock che è cosa viva e penso si ripercuoterà sull'osservatore-. L'inventario dei supporti fisici utilizzati da Mirò in settant'anni di attività artistica comprende materiali tradizionali, come tela (montata su telaio o meno, strappata, logorata o perforata), diversi tipi di carta da parati, pergamena, legno e cartone (ritagliato e ondulato), ma anche vetro, carta vetrata, iuta, sughero, pelle di pecora, fibrocemento, ottone, truciolato, Celotex, rame, foglio di alluminio e carta catramata. I materiali - che instaurano sempre un equilibrio delicato con il supporto - includono olio, colori acrilici, gessi, pastelli, matite Conte, grafite, tempera all'uovo, gouache, acquerello, vernice a smalto, inchiostro di china, collage, stencil e dacalcomanie, applicati in maniera innovativa su basi sia tradizionali che poco ortodosse: gesso, caseina e catrame, talvolta combinati con una eclettica gamma di oggetti comuni e materiali quotidiani, come linoleum, corda e filo. In questa esplorazione della materialità, che lo vide eguagliato forse solo da Paul Klee, Mirò allargò in maniera decisiva i confini delle tecniche di produzione artistica del Ventesimo secolo”. La mostra Joan Mirò: Materialità e Metamorfosi, coinvolge per le soluzioni psicodinamiche, allusive, per i risvolti introspettivi scaturiti oltre dalle soluzioni grafiche anche dalle caratteristiche fisiche di materiali specifici. Temi trattati: Femmes et oiseaux [Donne e uccelli] del 1968, Sobreteixim 4 de 1972 e Sobreteixim 10 del 1973. L’esposizione mostra una serie di collages senza titolo del 1929 e 1934. Le alternanze dei materiali “fungono da sostituti semiotici nei quali i materiali stessi assurgono allo status di segni”, sostiene il curatore. La mostra a Palazzo Zabarella, in Via Zabarella a Padova è visitabile fino al 22 luglio 2018. [Vincenzo Baratella]

Il curatore Robert Lubar Messeri; sotto alcune opere di Mirò

MATTEO FABEN in Mnemosine

Dal 24 marzo al 12 aprile 2018 lo Studio Arte Mosè di Rovigo, via Fiume 18, presenta quindici sculture in marmo dello scultore veronese Matteo Faben.

Ecce Homo, marmo di Carrara. Opera ora collocata sulla facciata della chiesa di San Gaetano a Barletta.

Eclettismo plastico di Matteo Faben.

La scultura per essere tale ha bisogno di esibire la tridimensionalità del pensiero espresso. È difficile associare la statuaria a qualcosa di astratto poiché ciò piloterebbe il concetto all'informe creato spontaneamente dalla natura. È perciò ovvio che la quasi totalità delle rassegne plastiche abbiano un riferimento ad un dato oggettivo ben conosciuto e riconoscibile. Matteo Faben è l'artista della congiunzione tra un classicismo desueto per le salon des arts attuale, ma è comunque cronico nell'impatto affettivo con le aspettative dell’osservatore, è forgiatore di opere che rimandano al pensiero complesso delle odierne estrinsecazioni. Usa il marmo con una morbidezza plastomorfica unica nell’identificazione dell'inconfondibile stile che rimanda all’artista veronese. Riesce a mostrarsi con una personalità originale rispetto alla scuola degli scultori di oggi. La cultura del presente di Matteo è unica nonostante abbia vivo nell’esecuzione modelli di rappresentazione greco-romana mai persa. Non a caso predilige la sostanza che per la sua nobile struttura si appresta alla mimesi classica: il bianco saccaroide di Carrara. Questa è la sostanza nella quale tuffa lo scalpello e realizza opere che nulla hanno da invidiare al modello canoviano. L'autoritratto forte e realistico nel ripetere l'effige di Matteo esteticamente dà il modello della bellezza, soprattutto se vengono analizzati dettagli quali i risvolti del tessuto della camicia che si sollevano dal busto con leggerezza nei volumi, trasparente, dimenticando la materia costituendi sulla quale è improbabile aggiungere, ma comodo togliere. Nel trait-d’union tra il realismo elegante e nuove soluzioni nell’uso del soggetto Faben riesce a equilibrare le tendenze pur rivelandosi un ricercatore. La modernità del soggetto: Cane cieco, La donna di pasta, Madonna del sì, Ostrica, Il mistero della fede, sviluppa la novità tematica in accordo con la perizia tecnica. Ne l’incontrollabile, mano-guanto, retaggio post romantico di Klinger, il marmo avvolge sottile, impalpabile, con sublime eleganza un soggetto fantastico che si condensa nella roccia fino a rilevare la pelle del braccio, concludendosi nella mano che azzarda di afferrare l’idea. L'artista veronese propone il motore Harley Davidson; soggetto inusuale per la scultura, ma di travolgente originalità: l'idea popular-art dell'oggetto d’uso. “Le misure di questa scultura corrispondono esattamente all'originale, misurato con un pantografo manuale che riporta esattamente ogni singolo di quasi cinquecento punti presi, con un totale di novecento ore di lavoro impiegate. L'effetto stupefacente trasporta -sostiene  l’artista- ad ascoltare il suono di un vero motore fin dentro nell'animo e nel contempo crea un desiderio di realtà che, legato al marmo sa proprio di infinito”. Matteo è versatile; gli è congeniale riversarsi nella meticolosa ricercatezza delle forme quando presenta allo spettatore gli elementi minuziosi che compattano il soggetto religioso. Ecce Homo, di grande dimensione, ora in giusta collocazione sul portale della chiesa di San Gaetano di Barletta ha straordinaria forza e ineguagliabile slancio mistico. Faben è poliedrico e avanza oltre le attese erigendosi artista di nuovi linguaggi plastici. Da un groviglio, una matassa marmorea, si protende con la delicatezza candida, quasi di gomitolo di lana, una tela di seta, l’impalcatura che sfocia nell’idea realizzata plastica, forte nella pietra carrarese alla pari delle opere dei grandi maestri. Novello Rodin è legato all’accuratezza estetica e contemporaneamente anticipatore di nuovi linguaggi. Vincenzo Baratella

Autoritratto, marmo di Carrara.

STATI D'ANIMO AI DIAMANTI in Mnemosine

STATI D'ANIMO; ARTE E PSICHE TRA PREVIATI E BOCCIONI

Inaugurata il 2 marzo 2018  al Palazzo dei Diamanti la mostra  Stati d’animo. Arte e psiche tra Previati e Boccioni.

Nella rassegna emerge per la prima volta la poetica degli stati d’animo. Dipinti manifesto come Ave Maria a trasbordo di Giovanni Segantini, Maternità di Gaetano Previati, il trittico degli Stati d’animo di Umberto Boccioni e altri importanti opere dell’arte italiana e internazionale tra Otto e Novecento, coinvolgono l’osservatore in un viaggio nei territori dello spirito. Per la prima volta  scienza e arte  si pongono il comune obiettivo di analizzare la psiche umana,  gli artisti  ricercano un sistema di comunicazione  nuovo, inedito per rappresentare le emozioni, i sentimenti più reconditi dell’essere umano. Tra di loro figurano i protagonisti della scena artistica dell’epoca, dai maestri del simbolismo e divisionismo, come Segantini, Previati, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Angelo Morbelli, a uno scultore originale come Medardo Rosso, fino ai capofila dell’avanguardia futurista, Balla, Carrà e soprattutto Boccioni, che seppe raccogliere il testimone dalla generazione precedente e creare un linguaggio dirompente che pone «lo spettatore nel centro del quadro», per trascinarlo nella dinamica delle emozioni e nella polifonia della metropoli moderna. In questo progetto Gaetano Previati, artista di punta delle collezioni delle Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara, occupa un posto del tutto particolare: come affermava lo stesso Boccioni «con lui le forme cominciano a parlare come musica, i corpi aspirano a farsi atmosfera, spirito e il soggetto è già pronto a trasformarsi in istato d’animo». La mostra nasce proprio dalla volontà di approfondire e mettere in risalto il fondamentale ruolo giocato dall’artista ferrarese nel creare un ponte tra l’eredità dell’Ottocento e le avanguardie artistiche del nuovo secolo. La mostra  rimarrà aperta  dal 3 marzo  al 10 giugno 2018  presso il Palazzo dei Diamanti di Ferrara.[E.P.]

RODIN AL SANTA CATERINA DI TREVISO in Mnemosine

RODIN AL SANTA CATERINA DI TREVISO

Al Museo di Santa Caterina di Treviso in accordo con il Musée Rodin, Marco Goldin ha selezionato per l’ampia rassegna su Rodin 50 sculture e 25 opere su carta. Sono presenti tutti i capolavori più noti dello scultore dal Bacio (immagine della mostra) al Pensatore, al Monumento a Balzac, all’Uomo dal naso rotto, all’Età del bronzo, sino alle maquettes. Rappresentate al Santa Caterina sono tutte le tappe artistiche dello scultore; percorsi che mettono in evidenza il fortissimo interesse per Michelangelo e per la scultura rinascimentale italiana. La capacità di Rodin è quella di dare al marmo ai gessi e comunque a tutta la materia trattata un trasporto sensuale ed introspettivo. In mostra sarà presente una grande e famosa tela di Edvard Munch, del 1907, che ritrae la statua del Pensatore nel giardino del dottor Linde: collezionista di Rodin e di Munch. Non mancherà poi un quadro di Monet. Il curatore Marco Goldin ha voluto il confronto con Arturo Martini; un  collegamento  a “Omaggio ad Arturo Martini” presente in contemporanea al rinnovato Museo “Luigi Bailo”, che vanta oltre cento opere di Martini: sculture, ceramiche e incisioni. Ai visitatori della mostra di Rodin sarà suggerito, anche grazie alla possibilità di godere di un biglietto ridotto per il Bailo, di ammirare, una dozzina di  opere del trevigiano Gino Rossi. Treviso è stata la destinazione scelta dal Musée Rodin di Parigi per accogliere la mostra conclusiva delle celebrazioni per il primo centenario della scomparsa di Auguste Rodin (1840 – 1917), completando così il programma di grandi esposizioni che quest’anno ha già coinvolto tra gli altri il Grand Palais a Parigi e il Metropolitan a New York. Mostra, quella nel Museo Santa Caterina, che è promossa dal Comune di Treviso e da Linea d’ombra, che la produce e organizza. La collocazione delle opere segna il percorso cronologico della vita e dell'arte di Auguste, ovvero dalla porta dell'inferno da cui Rodin ricavò molte delle sue sculture, i busti, i bozzetti, le teste, parti di un universo insofferente e introspettivo radicato nell'amore con Camille Claudel. Auguste Rodin è da considerare il continuatore della classicità nella ricerca dei temi mitologici e innovatore all’interno del realismo plastico. Segni dell'amore per Camille sono accennate, con riserbo,  nel marmo in cui la donna esibisce un’ immagine evanescente, quasi un sofferto ricordo. Opera incompiuta e di straordinaria bellezza, come spiega Goldin, "che lega Rodin all'ultimo periodo di Michelangelo di cui fu grandissimo ammiratore". Dopo il viaggio in Italia di Rodin nel 1875, "la scultura sembra lontana da noi come preferenza e sentimento del mondo" eppure, anche se "meno popolare" -afferma il curatore-  l'emozione che sono capaci di infondere opere come Il Pensatore, Il Bacio o il Ritratto di Balzac che chiude simbolicamente l'esposizione sono uniche”. La mostra è visitabile fino al 3 giugno 2018. [V.B.]

GIAN ANTONIO CIBOTTO - RITRATTI IN GALLERIA in Mnemosine

GIAN ANTONIO CIBOTTO

RITRATTI IN GALLERIA

Il libro, singolare nel formato grande, raccoglie momenti conviviali, fermi immagine su rassegne pittoriche, riflessioni, progetti nella galleria Studio Arte Mosè di Rovigo con al centro la figura dello scrittore Gian Antonio Cibotto (1925 - 2017).

Il legame di amicizia con Vincenzo Baratella,  consolidato durante la decennale presenza, quasi quotidiana, di Gian Antonio Cibotto nella Galleria rodigina di Via Fiume, ha legittimato la realizzazione di un libro\catalogo: Ritratti in galleria abbracciano un arco temporale di circa dieci anni (dal 2005 al 2015 c.ca), fino alla malattia che ha segregato in casa Gian Antonio Cibotto.

Escludendo a priori la mera funzione biografica, ma privilegiando curiosità, episodi significativi, confidenze, riflessioni su testi noti dello scrittore nazionale, l’autore ha voluto far emergere un ritratto intimo, quasi privato di Gian Antonio Cibotto.

E’ stata fatta una scelta di fotografie dall’ingente archivio della scrivente,  motivata in primis dall’alto costo ipotizzabile della pubblicazione. Dunque senza finanziamenti e senza sponsor, il libro, rispetto al progetto e alla risultante effettiva nel testo e nel corredo fotografico, è stato dato alla stampa ridotto.

L’autore: Prof. Vincenzo Baratella, laureato a Padova, vive a Rovigo,  è curatore critico dello Studio Arte Mosè. Ha presentato numerosi Poeti e Artisti. Ha redatto cataloghi d’arte. Tra le opere: Scuola, La più grande eredità, Memoria di Fulberto, Per Pinocchio la fatina c’è sempre, Estrema protesta, Preoccupanti coeve verità di Mosè, Il desiderio nella sofferta attesa del piacere.[Emanuela Prudenziato]

Collezione Cavallini Sgarbi al Castello Estense di Ferrara dal 3 febbraio al 3 giugno 2018 in Mnemosine

La Collezione Cavallini Sgarbi al Castello Estense di Ferrara dal 3 febbraio al 3 giugno 2018

Sgarbi: collezionista pubblico e privato.

Sabato 3 febbraio il Castello Estense di Ferrara ha aperto al pubblico la mostra "La collezione Cavallini Sgarbi. Da Niccolò dell'Arca a Gaetano Previati. Tesori d'arte per Ferrara." 130 opere tra dipinti e sculture, dall'inizio del Quattrocento alla metà del Novecento, raccolte in circa quaranta anni di collezionismo di Vittorio Sgarbi unitamente alla madre Caterina "Rina" Cavallini. Elisabetta Sgarbi, durante la conferenza stampa, ha voluto che questa mostra raccontasse, nel luogo più rappresentativo della città di Ferrara, non solo la storia di una straordinaria impresa culturale, ma anche quella di una famiglia ferrarese che all'arte ha dedicato tutte le proprie energie. La Collezione Cavallini Sgarbi è una mostra promossa dalla Fondazione Elisabetta Sgarbi in collaborazione con il Comune di Ferrara e sotto il patrocinio del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo e della Regione Emilia-Romagna. L’intervento di Vittorio Sgarbi nella presentazione della mostra ha fatto emergere  il piacere del suo collezionare partendo già dal 1976 con un singolare arricchimento di una biblioteca, già incentivata dal padre con la collana “rossa” della BUR, con trattati, guide e storie locali, databili dal 1503 al 1898, per arrivare in seguito a collezionare quadri e sculture; ciò “poteva essere più divertente che possedere il libro più raro… la caccia ai quadri non ha regole, non ha obiettivi, non ha approdi, è imprevedibile”. Nel saluto Dario Franceschini fa emergere come la casa-farmacia di Ro Ferrarese sia una sorta di Vittoriale dannunziano; racconta di aver visto opere in tutte le stanze, compresa la stanza da letto del capo famiglia Giuseppe per nulla infastidito dell’intruso che gli aveva interrotto il riposo. Elisabetta Sgarbi, nonostante sia la curatrice della rassegna, ha palesato il ruolo marginale nel management collezionistico della madre e del fratello. “Figlia ti voglio scrittrice e casalinga” come recita l’iscrizione sulla maiolica policroma di Andrea Parini, invece diviene coordinatrice di un progetto straordinario ed editrice con La nave di Teseo del prestigioso catalogo della mostra, che vanta un ricco apparato bio- e bibliografico, nonché schede meticolosamente precise; parecchie di queste redatte dal noto critico ferrarese Lucio Scardino. Le sale del Castello Estense si aprono su un capolavoro del Rinascimento italiano, il San Domenico in terracotta modellato nel 1474 da Niccolò dell'Arca per seguire con pittori ferraresi: Giovanni Battista Benvenuti detto l'Ortolano, Nicolo Pisano, Benvenuto Tisi detto il Garofalo e della “scuola ferrarese” del XVII sec. Sebastiano Filippi detto il Bastianino, Gaspare Venturini, Ippolito Scarsella detto lo Scarsellino, Camillo Ricci, Giuseppe Caletti e Carlo Bononi reduce dalla appena conclusa retrospettiva ai Diamanti. Nell’esaustivo commento che ha fatto Vittorio Sgarbi su tutte le opere in mostra, un tour che l’ha impegnato per l’intero pomeriggio affascinando i presenti, non ha trascurato la procace Cleopatra di Artemisia Gentileschi, né un divertente commento all’allegoria del tempo di Guido Cagnacci. Compiaciuto ha sfoggiato il Ritratto di Francesco Righetti di Giovanni Francesco Barbieri detto il Guercino, esposto per anni al Kimbell Art Museum di Fort Worth, in Texas. A concludere lo straordinario percorso critico sulle opere a tema sacro, allegorico e mitologico con maestri della scuola veneta, emiliana, lombarda, romana, toscana Vittorio Sgarbi è ritornato ai protagonisti dell’Ottocento e Novecento ferrarese: Gaetano Previati, Giovanni Boldini, Filippo de Pisis, Giuseppe Mentessi, Adolfo Magrini, Giovanni Battista Crema, Ugo Martelli, Augusto Tagliaferri, Carlo Parmeggiani, Arrigo Minerbi. Davanti alla sconcertante Crocifissione di Gaetano Previati ha messo in risalto l’esecuzione del soggetto sacro diacronico; significativa la particolare sensibilità di Ulderico Fabbri, un artista considerato tra i minori, per una tragedia dell’alluvione del Po: la terracotta sottolinea l’accorato recupero del corpicino neonato dalle onde del fiume. Vittorio Sgarbi ha svelato un’immagine intima, compiaciuto di mostrare come Cornelia i suoi gioielli. Un incontenibile orgoglio nel rendere pubblica la sua collezione privata. Ha palesato una finalità nobile, non egoistica, né privatista del collezionista, ma il desiderio di rendere compartecipi quanti vorranno abbeverarsi in tanta arte e condividere nel contempo l’amore per il bello, non desueto tra gli amanti della cultura. Soffermandosi a disquisire sulle opere, una dopo l’altra, senza tralasciarne alcuna, ha rapito l’attenzione dei presenti per un intero pomeriggio. Non ha perso la verve con un’aneddotica pregna di sentimenti familiari quando, spossato si è seduto sulla poltrona del padre, accanto alla sorella Elisabetta, ha proferito “ora siamo rimasti noi due”. Momento di laica religiosità rivolto  alle figure parentali scomparse che in un contesto già carico di emotività ha tolto a Vittorio la patina di un cinismo d’immagine. Ha in seguito accarezzato con lo sguardo e le parole l’esiguo, ma significativo, campione di libri in mostra: la tacita rivelazione emotiva dell’accaparramento dello scibile. Credo di aver intuito che il collezionismo di Vittorio è lungi dall’essere un mero accumulo privato, ma raccolta da esibire; quindi un collezionismo pubblico, inusuale per mala tempora. Alla stregua della Dea di Morgantina che ritorna nei luoghi d’origine sulle rive del lago di Pergusa, per analogia anche la raccolta Sgarbi doveva stabilirsi ad appagarsi nell’humus della città metafisica. Le stesse opere rifulgono di maggior splendore nei luoghi d’origine; c’è un legame cromosomico con la terra che le ha generate: Boccaccio Boccaccino, rifugiatosi a Cremona dopo l’uxoricidio, è inequivocabilmente ferrarese; la terra natia, lungo l’Eufrate padano, disegna inconfondibili  fisiognomiche, posture, pennellate e colpi di scalpello: Tesori d’arte per Ferrara. Parallela alle opere esposte, come il un binario, la galleria dei ritratti di famiglia, degli spiriti artistici: un percorso d’affetti che conclude la rassegna con la stanza dei giochi: il cavalluccio di legno, il bambolo grande, l’automobilina di latta; il recupero di attaccamenti gozzaniani, intimi, che segnano la prima collezione del cuore.

Vincenzo Baratella

Cinque grandi incisori allo Studio Arte Mosè in Mnemosine

COMUNICATO STAMPA

GRAFICA DI CULTURA

Rassegna grafica

Studio Arte Mosè di Rovigo, Via Fiume,18

dal 03 al 22 febbraio 2018

Curatore  Vincenzo Baratella

Ricerca allestimento prof.ssa Emanuela Prudenziato

Sabato 03 febbraio 2018 alle ore 18,00 lo Studio Arte Mosè di Rovigo presenta la rassegna di opere grafiche grazie alla ricerca della prof.ssa Emanuela Prudenziato presso collezionisti e gallerie; un importante appuntamento con cinque prestigiosi rappresentanti dell’arte del Novecento:

Ugo Attardi nasce il 12 marzo 1923  a Sori, presso Genova, da genitori siciliani. L’anno seguente la famiglia si trasferisce in Sicilia. A Palermo frequenta il liceo artistico; in seguito s’iscrive alla Facoltà di Architettura che non può frequentare a causa della guerra. Nel 1945  su invito dell’amico Pietro Consagra si trasferisce a Roma, dove comincia l’attività di pittore insieme ad altri giovani artisti (Carla Accardi, Piero Dorazio, Mino Guerrini, Concetto Maugeri, Achille Perilli, Antonio Sanfilippo e Giulio Turcato) dà vita al movimento Forma 1. Negli anni 1952-54 partecipa alla Biennale di Venezia. E’ uno dei promotori del gruppo Il Pro e il Contro. Nel 1970 pubblica il romanzo L’Erede selvaggio. Dal Settanta al Duemila numerose sono le rassegne alle quali partecipa. Il Presidente della Repubblica Italiana Carlo Azeglio Ciampi gli conferisce la Medaglia d’Oro per l’alto valore del suo lavoro artistico. Si è spento a Roma la notte di giovedì 20 luglio 2006. In mostra sono presenti quattro acqueforti “gli amori ferraresi” che sottolineano uno dei temi cari all’artista: il filo di congiunzione nell’amore tra erotismo e violenza.

Emilio Greco nasce a Catania l'11 ottobre 1913. A tredici anni, in seguito a una malattia del padre, dovette lasciare la scuola per lavorare nella bottega di uno scultore di monumenti funerari, dove impara a sbozzare il marmo e modellare la creta. A vent'anni espone al Circolo Artistico di Catania; fra gli anni '30 e '40 completa la sua preparazione frequentando l'Accademia di Belle Arti di Palermo.  La fama lo induce a una grande produzione di terrecotte, sculture in marmo, ritratti, incisioni e disegni. Nel 1955 ottiene la cattedra di scultura all’Accademia di Napoli, dove insegnerà fino al 1967. Muore a Roma il 4 Aprile del 1995. Lo Studio Arte Mosè ospita due incisioni degli anni Settanta in cui l’artista comunica, attraverso il tratteggio, la sensibilità per l’arte classica.

Luigi Marcon è nato a Tarzo nel 1938. Apprende l’arte di incidere a Venezia, prima all’Istituto d’Arte con Dalla Zorza e Dinon, e in seguito presso il Centro Internazionale della Grafica con Licata. Dal 1960 partecipa a molte rassegne di grafica nazionali ed internazionali conseguendo vari riconoscimenti; allestisce numerose personali in Italia e all’estero. Per molti anni si è dedicato pure all’insegnamento della calcografia. E’ autore inoltre del francobollo “ 800 Jahre Landshut "emesso in Germania nel 2004. Opera ed espone in permanenza a Vittorio Veneto. Nella rassegna sono presenti quattro acqueforti di straordinaria perfezione tecnica e incomparabile poesia. Sono da menzionare gli scorci di Rovigo, realizzati espressamente dall’artista per lo Studio Arte Mosè. Nella sua principale attività,  oltre che pittore,  ha realizzato  con le tecniche  calcografiche oltre 6.000 matrici. Ne esegue personalmente la stampa con torchio a stella.

Girolamo Battista Tregambe nasce a Brescia il 14-7-1937. Dopo circa trent’anni di esperienza pittorica, ha iniziato a incidere nel 1981, praticando di preferenza la tecnica dell’acquaforte; ha all’attivo oltre duecento lastre. Ha stampato presso la stamperia Linati di Milano e presso la Scotti di Fornovo San Giovanni (Bergamo). Le sue acqueforti sono presenti presso la Civica Raccolta delle Stampe Bertarelli di Milano, nel Gabinetto delle stampe antiche e moderne del Comune di Bagnacavallo (RA), nella raccolta di stampe Adalberto Sartori di Mantova, nel Museo della Grafica del Comune di Ostiglia (MN), nel Museo “Le due matrici” di Modica (RG). Dopo una lunga malattia si spegne la notte di Pasqua a Botticino il 5–4-2015. La galleria di Rovigo conserva dell’artista l’amicizia, il calore umano e la sensibilità uniche. Nella rassegna si ammirano opere dalla meticolosa cura dei particolari e dall’ineguagliabile poesia.

Antonio Zancanaro, più noto come Tono, nasce il 6 aprile 1906 da famiglia contadina benestante.  Frequenta l’Avviamento Commerciale. Dopo il servizio militare, dal 1929 lavora come impiegato di banca fino al 1932. Frequenta lo studio fiorentino di Ottone Rosai. Rifugge l'ambiente clericale per seguire la politica del Partito Comunista Italiano. La frequentazione degli ambienti antifascisti fa nascere i disegni del Gibbo. Resterà ammaliato dalla Sicilia ispiratrice delle Selinuntee e delle Maselinuntee. Seguiranno altre muse: Circi, Brunalbe, Brunanotte, Enrichee, Imere, Aelle, Leopardiane,  Poppee, Foscariane.  Le mondine e l'alluvione polesana ispireranno numerose tavole. Nel 1952 scopre la ceramica e la terracotta, iniziando un nuovo proficuo filone parallelo al disegno e all’acquaforte. Si spegne a Padova il 3 giugno 1985. In mostra sono esposti quattro incisioni  degli anni Sessanta con scorci cittadini.

Le opere presenti in mostra saranno illustrate e nel dettaglio tecnico sia nel contesto storico della realizzazione dal curatore prof. Vincenzo Baratella.

La mostra, a ingresso libero, sarà visitabile:

dal 03 al 22 febbraio 2018 tutti i giorni feriali

dal lunedì al venerdì dalle 16,30 alle 19,30

 per info: studioartemose@live.it